地址

B10现场：深圳市南山区华侨城创意文化园园北区B10栋北侧
旧天堂书店：深圳市南山区华侨城创意文化园园北区A5栋
A3+：深圳市南山区华侨城创意文化园园北区

交通

1/ 附近地铁站
罗宝线（1号线）侨城东站A出口
蛇口线（2号线）侨城北站B出口

2/ 附近巴士站
康佳集团东
警校
创意文化园

1/ 城市客栈
地址：深圳市南山区汕头街东E2栋
电话：26932828 26931311 26931211
距离B10现场约10分钟脚程。

2/ 青年旅社
地址：深圳市南山区恩平街与香山东街交汇处
电话：86 (755) 8623 2403/8609 5773
距离B10现场约5分钟脚程。

 

Address

North Side of Building B10, North District of OCT-LOFT, Nanshan District, Shenzhen, China
(on the diagonally opposite side of Old Heaven Books)

Transportation

1/ Nearby Metro Station
Exit A, Qiaocheng East Station, Luobao Line (Line 1)
Exit B, Qiaocheng North Station, Shekou Line (Line 2)

2/ Nearby Bus Stop
KONKA Group East Bus Stop
Police School Bus Stop
OCT-LOFT Bus Stop

Accommodation

1/ City Inn
About 10 minutes’ walk from B10 Live
Add
Building E2, Shantou Street East, Nanshan District, Shenzhen
Tel
86 (755) 26932828 26931311 26931211

2/ YHA
About 5 minutes’ walk from B10 Live
Add
At the Corner of Enping Street and Xiangshan East Street, Nanshan District, Shenzhen
Tel
86 (755) 86232403 / 86095773

 

【演出票价】
1.单日票：50或100元/晚，详见排期表。
2.套票：800元/套，赠纪念T恤一件。

【购票信息】
1.预售
※截止时间：演出当日15:00。
线上：http://item.taobao.com/item.htm?id=41162901087
2.现场
地点：B10现场
※现场售票19:00开始。

【Concert Fare】
1.One-day ticket: 50 or 100 RMB per night. See the program information for the exact price.
2.Package: 800 RMB, 1 T-shirt included.

【Ticketing】
1.Presale
※Presale service available until 15:00 on the day.
Online: http://item.taobao.com/item.htm?id=41162901087
2.Booking
Please send the following information to midori.b10@gmail.com at least ONE DAY before the concert:
①Name ②Phone number ③Date of the concert ④Quantity of tickets
Ticket reservation will be closed 15 minutes before the show starts, please pick up your ticket at B10 Live in time.
3.At Door: B10 Live
※Starts at 19:30 on the day.

 

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《俄罗斯新音乐》系列电影简介

《俄罗斯新音乐》是由10部电影组成的系列影片，主要讲述了20世纪80年代期间前苏联新音乐的萌生，当时的新音乐包括有：即兴音乐、开放性音乐和自由爵士。
爵士乐一直在知识分子团体中扮演着十分重要的角色，在当时的社会生态下，爵士乐成为了自由和自由思想的象征。
当时，即兴创作是唯一无法被定义的艺术形态。上世纪70年代以前，前苏联的爵士乐手们大部分都模仿美国爵士乐手的表演方式，直至70年代期间Ganelin三重奏的出现，这一情况才得以改变，这是第一支拥有自己的表演形态，并且演奏原创编曲的乐队，它凭借自身独特的音乐特色而闻名。
80年代中期，新音乐开始在前苏联茁壮成长。随着前苏联的解体，新开始的改革使得新音乐在俄罗斯地区得到了广泛的传播。这种曾经的地下音乐终于得以来到幕前，被人们倾听。在诸如列宁格勒、莫斯科、立陶宛、阿尔汉格尔斯克、伏尔加格勒、西伯利亚、阿塞拜疆和俄罗斯许多其他地区都涌现了大批杰出的音乐人。
英国电视台曾于1989年播放了这10部系列电影。第一部电影名为《Sergey Kuryokhin与Pop Mechanics：天赋的疯狂》，由三部分组成，每部分16分钟，总时长48分钟。另外的9部电影时长均为25分钟。此系列电影均为英文对白，英文字幕。

这10部电影分别为：
1.《Sergey Kuryokhin与Pop Mechanics：天赋的疯狂》
2.《俄罗斯新音乐之父：Slava Ganelin》
3.《玩乐之众：Jazz Group Arkhangelsk》
4.《新音乐之声：Sainkho Namchylak与Valentina Ponomareva》
5.《Vyacheslav Guyvoronsky与Vladimir Volkov：〈洋基歌〉之旅》
6.《Orkestrion：来自伏尔加格勒的信》
7.《民谣纽带：Aziza Mustafa Zade与Misha Alperin》
8.《巴尔干组曲：Anatoly Vapirov》
9.《乐系西方：Petras Vysniauskas》
10.《实验回音：Zga、Aleksei Tegin和Natasha Pshenichnikova》

电影名详解

1.《Sergey Kuryokhin & Pop Mechanics – Divine Madness》/《Sergey Kuryokhin*与Pop Mechanics*：天赋的疯狂*》
*Sergey Kuryokhin：前苏联新爵士运动标志性人物、著名的演员、配乐师、音乐剧导演、钢琴演奏家、爵士乐手、先锋艺人。
*Popular Mechanics：“流行力学”，Sergey Kuryokhin的乐队，是一个集合古典、摇滚、爵士、民谣以及其他所有领域于一身的乐团。
*天赋的疯狂：原文“Divine Madness”，亦为Leo唱片出版的Sergey Kuryokhin的专辑合辑套装名称。

 

2.《Slava Ganelin – Father of Russian New Music》/《俄罗斯新音乐之父：Slava Ganelin*》
*Vyacheslav (Slava) Ganelin被誉为“俄罗斯新音乐之父”，是一位极为多才多艺的音乐家与艺术大师。离开Ganelin三重奏后，他发展了自己的独奏事业。这就是为什么Nat Hentoff在《华尔街日报》里对他如此评论：“Ganelin先生是一个浪漫的钢琴家，是戏剧性气氛效果的热爱者——从神秘又怪异的气氛，到内心的雷电轰鸣。在他的键盘上是两个小电子合成器，一个将钢琴的音域拓宽至三倍，一个使Ganelin能弹奏出更加深沉饱满的低音。能够看见一个音乐家在他力所能及之内愉快地演奏是很有趣的。”
1987年春天，Ganelin发行了第一张独奏专辑，受到了出色的评价，所有的评价者都在强调他完美的结构、想象力、本质和品味等。正如John Fordham在《卫报》里写的一样：“他是一个足智多谋的音乐家，他旋律优美的钢琴演奏是动人而优雅的。”

3.《The Collective – Jazz Group Arkhangelsk》/《玩乐之众：Jazz Group Arkhangelsk*》

*Jazz Group Arkhangelsk：“阿尔汉格尔斯克爵士小组”，俄罗斯最有影响的即兴、爵士乐队之一，并以成员家乡为乐队名称。乐队成员成立著名的阿尔汉格尔斯克爵士音乐节（Arkhangelsk Jazz Fest）。

 

4.《Voices of New Music – Sainkho Namchylak & Valentina Ponomareva》/《新音乐之声：Sainkho Namchylak*与Valentina Ponomareva*》
*Sainkho Namchylak：图瓦国宝级实验女歌手，曾与前苏联一些充满创造力的艺术家合作。
*Valentina Ponomareva：俄罗斯吉普赛歌后，爵士乐主唱。

 

5.《Vyacheslav Guyvoronsky and Vladimir Volkov – Trip through Yankee Doodle》/《Vyacheslav Guyvoronsky与Vladimir Volkov：〈洋基歌〉之旅》
本片是关于列宁格勒二重奏：俄罗斯出色的前卫小号手Vyacheslav Guyvoronsky和俄罗斯最重要的贝斯手之一Vladimir Volkov。该二重奏在1994年创作了专辑《Yankee Doodle Travels》，专辑的内容是以他们在美国巡演的素材为基础的。

 

6.《 Orkestrion – Letter from Volgograd》/《Orkestrion*：来自伏尔加格勒的信》
*Orkestrion 三重奏来自伏尔加格勒（Volgograd），由诗人 Sergey Karsavin 组建。

 

7.《Folk Connection – Aziza Mustafa Zade & Misha Alperin》/《民谣纽带：Aziza Mustafa Zade与Misha Alperin》
*Aziza Mustafa Zadeh：阿塞拜疆钢琴手、声乐家和作曲家，人称“爵士公主”。
*Misha Alperin：犹太钢琴家，德国爵士厂牌ECM艺人。

 

8.《Balkan Suite – Anatoly Vapirov》/《巴尔干组曲：Anatoly Vapirov*》
*Anatoly Vapirov：前苏联著名的萨克斯风手、作曲家、乐队指挥者等。

 

9.《Western Links – Petras Vysniauskas》/《乐系西方：Petras Vysniauskas*》
*Petras Vysniauskas：著名的高音萨克斯风手，Ganelin Trio Priority乐队成员。

 

*Natasha Pshenichnikova（Natalia Pschenitschnikowa）：出生于前苏联的作曲家、长笛吹奏者，她与许多有名的实验艺人合作过，并曾是Ensemble Zwischentöne的一员，以及著名爵士乐手Vladimir Tarasov的俄罗斯交响乐团（Vladimir Tarasov’s Russian Orchestra）的一员。

 

The introduction of Russian New Music film series

Russian New Music is a series of 10 films about the emergence of new (improvised/open/free jazz) music in the Soviet Union in the 1980’s.
Jazz has always played a very important role in the Soviet society among the intellectuals. In a totalitarian society it was a symbol of freedom and freethinking.
Since improvisation is the only art form that could not be censored. Until mid 1970’s Soviet musicians played jazz copying Americans. In the 1970’s, the situation changed – there appeared the first group that was not aping Americans but was playing their own original music. That was the Ganelin Trio, which became famous for its own brand of music.
By mid 1980’s new music was flourishing in the Soviet Union. The Soviet Union was falling apart and with the beginning of Perestroika new music was played in many parts of the Soviet Union. This music that was played underground got a chance to get into the open and be heard. There were outstanding performers in Leningrad, Moscow, Lithuania, Arkhangelsk, Volgograd, Siberia, Azerbaijan and many other areas of Russia.
These 10 films that were shown on British TV in 1989 document this movement. These films are in English with English subtitles. The first film entitled “Sergey Kuryokhin & Pop Mechanics, Divine Madness” is 48 minutes long, which consists of three parts about 16 minutes each part. All other films are 25 minutes long.

These 10 films are:
1. “Sergey Kuryokhin & Pop Mechanics – Divine Madness”
2. “Slava Ganelin – Father of Russian New Music”
3. “The Collective – Jazz Group Arkhangelsk”
4. “Voices of New Music – Sainkho Namchylak & Valentina Ponomareva”
5. “Vyacheslav Guyvoronsky and Vladimir Volkov – Trip through Yankee Doodle”
6. “Orkestrion – Letter from Volgograd”
7. “Folk Connection – Aziza Mustafa Zade & Misha Alperin”
8. “Balkan Suite – Anatoly Vapirov”
9. “Western Links – Petras Vysniauskas”
10. “Experimental Echoes – Zga, Aleksei Tegin and Natasha Pshenichnikova”

The screening will include the last 8 films above.

這是蘇維埃第一自由爵士廠牌LEO RECORDS製作人，Leo Feigin寫在”DOCUMENT”8-CD裝里的序言。這套作品收錄蘇維埃新爵士最早期活動秘盤的鎮廠之寶。最前頭的序言，或許可以給我們所有愛好者一些鼓舞。

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關於DOCUMENT的念頭是在1987年，來自於我發現我的架子被大量蘇聯的錄音帶的重量給壓得變形彎曲，那是一些無法被分開發行的帶子。在那個時候，我發現所謂的蘇聯新爵士場景已經遠大於當我開始製作唱片的八零年代初期的那個時候。同時，蘇聯爵士場景確也因為我的出版品而明顯地被錯誤地呈現，儘管我的Leo唱片目錄中有著五十款的發行，他們卻呈現著非常不平衡的蘇聯新音樂樣貌，這些發行主要集中在Ganelin Trio、Sergey Kuryokhin、Vladimir Chekasin、Anatoly Vapirov。人們很容易有一個錯誤的印象，就是除了這些藝術家之外便沒有其他值得被記錄下來的角色。這當然是不正確的。仍有許多樂手演奏厲害原創的音樂並且值得保存，問題在於沒有支援和贊助是無法做到這樣的發行。發行那些蘇聯場景中有名樂手的作品而帶來的損失，我還頂得住，但是如果要發行Orkestrion、Tri-O、Vladislav Makarov、Guyvoronsky/Volkov duo、Arkhangelsk或甚至是Petras Vysniauskas的東西那簡直就是商業自殺，這也是為何Valentina Goncharova或Petras Vysniauskas仍是不公開的秘密。

但蘇聯新音樂場景之大之原創，即使DOCUMENT也無法使得上力。DOCUMENT裡頭9.5個小時的長度也無法將Misha Alperin、The Eugene Gevorgian Quartet、莫斯科的Asphalt，以及西伯利亞和遠東樂手們的音樂收錄進來。DOCUMENT稱不上能真正反映蘇聯新音樂的終極合輯。它只是顯示著蘇聯新音樂廣度與深度的一部份。

DOCUMENT並非照年代順序，也並沒有嚴謹的結構。只有最後一片CD是刻意要獻給Ganelin Trio，用意是來回顧這個十年。再次強調是這個三重奏在七零年代中期為這個場景帶來了動能。或許DOCUMENT最開頭的曲子，“DEARLY DEPARTED”，也帶給聽者一種全新事物的驚異衝擊。至於其他的部分，我是照著直覺去做的，乃至於一切收錄於DOCUMENT的事物: 不管是所選的曲子，樂手出現的時間，曲目順序，甚至是CD的排序。

基於不同的原因，我很遺憾地剔除了某些音樂作品，比方說，拿掉了Vladimir Chekasin和Petras Vysniauskas的應答二重奏，或是Valentina Ponomareva唱的C-JAM藍調，這是基於風格問題，把他們收錄在DOCUMENT中實在格格不入。但我仍然希望DOCUMENT能提供一個關於八零年代場景的洞察視野。

DOCUMENT並不只是總括那個十年裡蘇聯的新音樂，它同時呈現Leo唱片在那十年的活動狀態，蘇聯新音樂的進展徹底地被當時的社會形態系統所阻礙著，沒有給音樂家使用的機構場所，沒有樂器和設備，有的是窮困的生活。那些年Ganelin Trio出國巡迴還要有KGB特務隨行，那些年Leo唱片被控告違法製作，時光輪轉，執筆此時蘇聯人民在質疑整個系統的合法性。

作為Leo唱片的第一張發行，Ganelin Trio的專輯是一個對VAAP(全聯著作權署)生猛的挑戰，他們是一個把蘇聯音樂人當成奴隸一樣的機構。VAAP和GOSCONCERTS是能夠決定藝術家命運的威權組織，比方說誰能夠出國表演或是表演幾次，誰能夠出版唱片，誰能夠從中獲利，藝術家是無權過問並且被當成商品一樣對待的。不巧地，西方有些組織，例如英國的MCPS(Mechanical Copyright Protection Society)，他們助長了VAAP，這真是可恥。

如果我想發一張Cecil Taylor或是Sakis Papadimitriou的唱片，我是不需要問過美國或希臘政府的同意。並且我是和樂手們來解決金錢上的分配而不是跟那些國家的官方體系來分配，那麼為啥勞子的我必須得到VAAP的允許才能替蘇聯樂手做唱片呢？為什麼我明知樂手一毛錢都拿不到卻要付錢給VAAP呢？我想跟樂手談錢而不是VAAP。這和VAAP以及GOSCONCERTS都脫不了關係，VAAP已經呈認他們僅提拔他們想提拔的那些樂手，而西方許多的組織持續地和GOSCONCERTS、VAAP、GOSTELERADIO、MEZHKNIGA打交道，他們如此支持這個破碎的社會形態系統，並且縮限了蘇聯樂手的自由，他們侵蝕著這些蘇聯樂手為了爭取自由所作的努力和成就。

當我揮筆的當下此刻，一個念頭閃過腦海，要去哪裡搞錢來生出DOCUMENT。我剛好收到一封來自我最大通路商的信，New Music Distribution Service(NMDS)，信上說他們在找到贊助之前是付不出當初講好的款項，這筆款項是要拿來給付他們兩年來驚人的發票開銷。這一切不是太諷刺了嗎？這些單位機構應當是要提供像我這樣的獨立廠牌一些幫忙，但是他們反而是這個社會裏底層發聲的最大阻礙。

我的經濟狀況一直都是很絕望的，但現在是空前的悽慘。但是我不能食言而停止DOCUMENT的製作發行。已有人客下訂單了，他們對Leo唱片有信，我又怎能叫人失望？

哪邊有人發放補助？那邊有人願意贊助各種活動，競賽，旅行，散步，足球賽，網球錦標賽，音樂會，音樂節等等？我從沒遇到過這種人。我寫信給他們都是石沉大海。我住在一個很棒的國度，這裡他們不想聽到什麼新音樂，就讓蘇聯新音樂一邊涼快去吧，五千五百萬個被披頭四給腐蝕的腦袋瓜。每當我發行Anthony Braxton、Cecil Taylor、Carlos Ward的東西，英國報紙上的樂評都硬是跳過不談，寫篇ECM的評論對他們來說是一定要的，而我的蘇聯唱片，嘿，鮮少在全國性的報紙上被提到，對這些樂評來說樂手名氣遠重要於音樂本身。英國DJ也不太放蘇聯唱片，辦活動者對於蘇聯新音樂的主力也興趣缺缺，1984年Ganelin Trio的大不列顛巡演很明顯的就是個愉快的錯誤，而不是來自他們對於蘇聯新音樂的興趣。瑞士人口僅管是英國的十分之一，但是我在瑞士的經銷商業績是英國的三倍強。英國爵士媒體仍然不恥蘇聯新音樂，他們根本視Leo唱片如無物。從WIRE雜誌根本連一個人都沒派去參加蘇黎士的蘇聯前衛爵士音樂節這件事完全可以看出他們不屑一顧的態度，儘管這個音樂節的主辦者Susanna Tanner甚至願意慷慨的提供來回機票！我們提出的蘇聯新音樂節的案子，被倫敦的當代藝術機構高層兩度取消辦公室的會面，這些難以一一指認的輕蔑已經到了容忍的邊緣。當我知道倫敦將成立一個全天候24小時的爵士電台我立馬寫信給音樂總監，我在信中提到我願意提供任何他需要關於東歐方面的協助，他回信的很快，精確又震撼，”我非常高興能收到貴公司所有的錄音發行，我保證全部都會公共播放的，不過有個前提，他們必須是演奏和錄音都很好的爵士唱片，國籍或是錄音廠牌都只是次要的問題。”

喔，那我現在知道了，國籍和錄音廠牌都是次要的喔…這解釋了他的電台或是WIRE雜誌選擇上的優先順序，這位音樂總監強調他的選擇在於他的聽眾想聽到什麼，由此來決定不同風格的爵士樂播放的時間，都是本著聽眾的取向。他並不是為了他播放的音樂本身的藝術價值，也不是為了音樂本身不妥協的標準，甚至也不是為了教育聽眾，他只是想找出進而取悅他的聽眾爽點在哪裡。對我來說這就是商品的最佳解釋，這就是老套和消費者主義的培養皿，這就是庸俗的由來。同樣的我們可以這樣看待，同樣的穿著，同樣的聆聽，同樣的閱讀，從眾乃至於從大眾，害怕沒有歸屬，唯有服從。

上面說的這些都不是牢騷而已，這是事實的陳述，我確信這樣的態度對新音樂，尤其是蘇聯新音樂，是很普遍的。對我來說，在消費社會中，一個音樂家為了演奏毫不妥協的音樂必須付出沉重代價是很自然的。畢竟，他登台是為了創造，不是娛樂，他絕不應該在他擁有這樣得天獨厚的契機能夠昇華於聽眾之上進而觸碰神秘的同時，還ㄊㄇㄉ(踏馬蹄)想要賺一票。在這班創造的航行中，音樂家成了造物主與凡夫之間的媒介者。

那些夜復一夜登台作秀者，相反的，因著他們的工作非常應該要求要有一筆收入，收入豐厚依照市場力量和娛樂品質來決定。毫無疑問的，Wynton Marsalis或Herbie Hancock賺的比Cecil Taylor或Slava Ganelin多(我這只是舉例說明)，雖然這對Cecil和Slava來說是個人的悲劇，但這在消費社會很合理的。在理想社會中創造者應該比娛樂者得到更優渥的報償，同樣地這其實很符合邏輯，在消費社會中，音樂家犧牲他的經濟安全來換取他在歷史成就中的喜悅。我確信Wynton Marsalis和Herbie Hancock一但停止演奏很快就會被淡忘，他們將被新的娛樂者取代，然而Cecil和Slava將會留傳世代，因著他們的秀異是無人可替的。大型唱片公司那些堆成山的黑膠通通都會變成垃圾，而Cecil那些由小廠發行的東西，則會如燈塔般繼續照耀。

高度創造性的時刻對音樂家來說是很耗損的，而且經常是音樂越激進，樂手就越名不見經傳。聽眾往往在時間過去之後才能發現並且開始報償這些樂人。引述John Cage的話: “當我們將音樂從生活中分離出來，我們得到了藝術(傑作的概要)，現代音樂，當它的確處在當代，我們來不及將它分離(這保護我們的生活)，如此，現代音樂並非那麼藝術。”這也是蠻自然的，一個唱片製作人如果敢於記錄創造性的演出就應該要和樂手共同承受運命。在必須演奏原創音樂又想生存下來的樂手和預算極低又想製作出樂手作品的製作人之間，必然有著某種一致性吧。這是藝術工作遭遇的必然性，我們不可能期待CBS，華納兄弟，或任何其他大型唱片公司開始做這種毫不妥協的音樂，他們是為著利潤來的，過去他們曾經作過一些這樣的樂手，但我的了解是，與其說是出於真正想要作出劃時代的創新音樂這樣的想法，不如說是不小心搞錯啦。

同樣也不可能去期待大不列顛這種贊助者捐款給小眾音樂，新音樂是非常菁英主義的，群眾也是最少的。所有英國的贊助商都希望從贊助中得到一些回饋，但是在新音樂的公眾形式裏是無法提供的。在西歐的其他地方則有對於小眾但藝術性的音樂更多的覺察和更多的支持，例如蘇黎世舉辦的蘇連前衛爵士音樂節就不可能出現在英國。當我看到Hat Art廠牌的製作人Werner Uehlinger得到瑞士銀行法人的金援，我真是又開心又沮喪。在英國他們只把大把大把幾百萬英鎊往皇家歌劇院裡頭倒。而他們引以為傲的就是他們作出這股時尚潮流讓那些雅痞都買票進去聽歌劇，即便票價在過去幾年已經漲了三倍。

所以話說回來，這些搞創作的音樂家和他們的製作人，在這個消費社會裡能作的事情就是接受如此這般現實的高下，繼續他們的追尋，祈禱有朝一日大眾會跟上他們並且肯定他們的成就作為。

收錄於DOCUMENT當中的所有東西都是反消費者的，你聽到的這些音樂都不是在24或48軌豪華旗艦還有空調的錄音室裏面弄出來的，而這些音樂家也不決可能這樣搞出來，你不會聽到”寂靜之外最美的聲音”(編豬狂笑，這真的蠻雞掰的!!!)，你只會聽到最帶種，最有生命力，最不可能在其他歐美音樂中找得到的能量的聲音。這些音樂是在很彆腳的狀況中用不靈光的設備所錄出來的。母帶是被偷渡出境蘇聯，用最小本經營的成本來處理各種有的沒有的事。這不是給conformist(編豬:意指從眾者，又有英國國教徒的意思)的音樂，這也不是給消費大眾的東西，這是給一千個真在乎未來的音樂的人們。給那些具有前瞻和深度重口味，能欣賞原創性的人們。這些人是音樂的菁英，是水瓶座時代的謀反者。(謝仲其同學指出: 與新世紀思想有關)

歡迎來到我們的俱樂部！

Leo Feigin 一九八九年 九月

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參考連結: Leo Records

http://www.leorecords.com/

Leo Records

Leo Feigin在1979年创办了Leo Records唱片公司，他同样也以广播艺名Aleksei Leonidov而闻名。他来自俄罗斯，后又移民到英国生活。在1970到1980年期间，Leo建立的唱片公司和世界著名Ganelin三重奏的联系尤其密切。
Leo Records是英国一家爵士乐唱片公司，该公司除了发行来自英美两国音乐家的素材之外，还发行俄罗斯爵士乐专辑。
这个唱片公司参与了许多实验音乐专辑的制作及发行，它也与这些发行专辑的艺人们有着密切的联系：他们并没有与艺人们签订合约，而是把他们的素材整理发行成一张张独立的专辑。截止至2010年，他们的唱片目录已经有超过700个作品。
Leo Records旗下有四个子公司，包括Leo Records、Leo Lab (Leo Records Laboratory)、Golden Years of NewJazz和FeetFirst Records。

Leo Feigin

Leo Feigin1938年出生于前苏联列宁格勒。
Leo 于1959年毕业于“体育学院”，此后，他成为了前苏联杰出的跳高运动员。
1967年，Leo从列宁格勒大学毕业，他在那里学习“普通语言学”。1973年，他从苏联移民至英国。
1974至2000年，他供职于英国BBC电台，担任节目制作策划，负责向俄罗斯传播推广爵士乐及新音乐节目。与此同时，他开始经营一家名为Leo Records的音乐厂牌。至2014年，该厂牌共发行了800多张专辑。
Leo Records主力出版大量先锋即兴和自由爵士音乐，值得称道的是该厂牌保留了不少东欧、前苏联的即兴、自由爵士的珍贵录音。Leo Records的音乐一直拒绝服从市场压力，所出版的音乐始终保持着高度的自由化和艺术化。旗下乐手主要来自欧洲，也包括世界各地的乐手。Leo认为乐手的国籍并不重要，重要的是音乐上的创造力。这个宗旨也始终渗透在Leo Records的每张出品中。
Leo Records旗下不乏世界闻名的艺人，代表人物有Anthony Braxton、 Cecil Taylor、 Evan Parker、Ganelin Trio、Marilyn Crispell、 Sun Ra、 Simon Nabatov和Frank Gratkowski等。

讲座介绍

新音乐是什么？时间、地点、原因和形成的过程又是什么？
新音乐对于任何专注于音乐的机构来说，都是一门新哲学、一种新视野及新态度。在这充满了各种可能性的时代背景下，新音乐很好地诠释了对任何声乐都不抱偏见并保持开放的态度这一观点。这是一种融汇不同经历、鼓励各种影响、打破常规界限、禁忌老生常谈的音乐。它是包罗万象而非专制单一的。它赞颂着多样性的同时又忠实于真实的自我。即兴创作为其中最为精彩的一个环节，它将作曲家及表演者的角色逐渐融汇为一体，这也正说明了音乐人个性的重要性。新音乐诞生于一场特殊的抗议中，这是一场精神性的崇高抗议，它并不具备以往抗议的政治性及社会性，这是一场反对伪善虚伪、消费主义的抗议，是一场反对平常乏味、墨守成规的抗议。这也正是新音乐能够在美国及包括俄罗斯在内的一些欧洲国家找到利于其自身发展的滋生地的缘故。
讲座的最后将会放映《俄罗斯新音乐（Russian New Music）》系列电影的头两部：《Sergey Kuryokhin与Pop Mechanics：天赋的疯狂（Sergey Kuryokhin & Pop Mechanics – Divine Madness）》和《俄罗斯新音乐之父：Slava Ganelin （Slava Ganelin – Father of Russian New Music）》，时长分别为48分钟和25分钟。

《俄罗斯新音乐》系列电影简介

《俄罗斯新音乐》是由10部电影组成的系列影片，主要讲述了20世纪80年代期间前苏联新音乐的萌生，当时的新音乐包括有：即兴音乐、开放性音乐和自由爵士。
爵士乐一直在知识分子团体中扮演着十分重要的角色，在当时的社会生态下，爵士乐成为了自由和自由思想的象征。
当时，即兴创作是唯一无法被定义的艺术形态。上世纪70年代以前，前苏联的爵士乐手们大部分都模仿美国爵士乐手的表演方式，直至70年代期间Ganelin三重奏的出现，这一情况才得以改变，这是第一支拥有自己的表演形态，并且演奏原创编曲的乐队，它凭借自身独特的音乐特色而闻名。
80年代中期，新音乐开始在前苏联茁壮成长。随着前苏联的解体，新开始的改革使得新音乐在俄罗斯地区得到了广泛的传播。这种曾经的地下音乐终于得以来到幕前，被人们倾听。在诸如列宁格勒、莫斯科、立陶宛、阿尔汉格尔斯克、伏尔加格勒、西伯利亚、阿塞拜疆和俄罗斯许多其他地区都涌现了大批杰出的音乐人。
英国电视台曾于1989年播放了这10部系列电影。第一部电影名为《Sergey Kuryokhin与Pop Mechanics：天赋的疯狂》，由三部分组成，每部分16分钟，总时长48分钟。另外的9部电影时长均为25分钟。此系列电影均为英文对白，英文字幕。

这10部电影分别为：
1.《Sergey Kuryokhin与Pop Mechanics：天赋的疯狂》
2.《俄罗斯新音乐之父：Slava Ganelin》
3.《玩乐之众：Jazz Group Arkhangelsk》
4.《新音乐之声：Sainkho Namchylak与Valentina Ponomareva》
5.《Vyacheslav Guyvoronsky与Vladimir Volkov：〈洋基歌〉之旅》
6.《Orkestrion：来自伏尔加格勒的信》
7.《民谣纽带：Aziza Mustafa Zade与Misha Alperin》
8.《巴尔干组曲：Anatoly Vapirov》
9.《乐系西方：Petras Vysniauskas》
10.《实验回音：Zga、Aleksei Tegin和Natasha Pshenichnikova》

本文是为 Leo 唱片的“苏联新爵士黄金年代”系列 CD 所写的内页，作者 Alex Kan 是 BBC 电台主持人，新音乐历史学者。
请注意 Kan描述的主要是苏联和后苏联时期俄罗斯的新即兴音乐历史（新爵士、民族爵士、 前卫爵士），而不是标准爵士（主流爵士、摇摆、bop 等）。

艺术爆炸从定义上来说是无法预知的。艺术史学家在回顾它的时候，试图寻找合理化依据解开魔术，展示一连串政治、文化和审美的潜流，以显示这场爆炸无可避免。愚蠢幼稚的同时代人怎么会没有预见到它的到来？如果你身处其中，你就不会有事后之明的优势。然而我确信，如果你足够幸运发现自己真的身处一次艺术爆炸，你不可能会错过它或者把它误认为是平稳、和平的常规艺术“演进”。相反，那时候的兴奋可能让你实际上高估你所看到周围发生的事情。多年以后的现在，在写这些唱片内页的时候，我面临着双重挑战：努力重现那场激昂兴奋的艺术革命——我曾亲眼所见并且参与其中——同时又要试图以评论家“客观”的角度来分析它。

我个人参与到这个新音乐场景是在1970年代后期，当时我到列宁格勒来生活。那时候我变得确信，我最初的音乐激情摇滚乐，在“前卫摇滚”的声音中已经走过了它的艺术巅峰，正在变成老态龙钟的恐龙超级乐团，我完全不想继续跟进（那时朋克还没有真正发生——至少对我们来说）。爵士乐成为新的激情。然而最使我着迷的不是像Ella 和 Louis 那样的流畅、抚慰人心的声音，那些是通过谨慎的“官方”苏联政府中你能得到的仅有的爵士乐。早在来列宁格勒之前，通过西方电台和偶尔从神秘的从来见不到的唱片上翻录的磁带，我就爱上了 Mahavishnu Orchestra 尖锐的首张专辑、弥漫气氛的 Weather Report、印象派的早期 ECM、甚至还有怪异抽象的 Anthony Braxton 和 the Art Ensemble of Chicago 。这种音乐看起来比任何摇滚乐所能提供的东西都更大胆和有创造性，我非常渴望能更深更广地了解它。第一次发现这晦暗而令人着迷的音乐不仅存在于难以渗透的铁幕外，而且我们自己的国界以内也有的时候，那种兴趣和兴奋就更热烈。我永远不会忘记1977年的一封信带给我的兴奋的震动，那封信送到我的部队驻地，极圈外的新地岛（Novaya Zemlya）。我一个兴趣相投的朋友骄傲地告诉我 Melodia ——苏联官方的也是唯一的唱片厂牌——发行了一张唱片，与之相比King Crimson（那时对我们来说就是前卫的体现）听起来就像是童谣。他说的那张唱片是 Con Anima ——the Ganelin trio 正式发行的第一张作品。当时我住得远离都市，那张唱片虽然是正式发行的，但事实证明它一点不比那些西方的东西好买。经过一番努力，直到我服满一年兵役回来，我只找到一张“盲”封面（没有封面画、没有乐手名字、没有乐器名单）的拷贝。如果说少量配给的西方音乐新闻，还能通过广播和我们允许订阅的波兰、捷克斯洛伐克、东德的音乐杂志过滤给我们，发生在我们自己首都的事似乎完全接触不到。讽刺的是，正是通过捷克斯洛伐克的流行和爵士杂志 Melodie 我第一次知道列宁格勒 Kvadrat 爵士俱乐部（kvadrat 意思是合唱）的存在，而且据 Melodie 介绍还有一个萨克斯手 Anatoly Vapirov 演奏野心勃勃的新音乐。

1978年8月来列宁格勒的时候，我准备要全身投入这个令人兴奋的新世界。但我很快发现，原来 The Kvadrat club这个爱好者圈子，虽然忘我地投入爵士，但是在推广听起来像过期的干面包一样的音乐。它的周日中午场当地二流迪西兰音乐和沉闷的 bop 音乐演出与新音乐的兴奋和创造力相去甚远，像是刚入教进行原始仪式的教众。我按时做我觉得是义务的事情，参加离家一小时的 Kvadrat 的每周聚会，在墙上和围栏上贴海报，搬舞台上的扩音器。幸运的是，第一次音乐回报很快就来了。就在几个月后78年11月第一届 Autumn Rhythms Festival，除了无趣的主流，还有我所渴望的声音万花筒：Ganelin、Tarasov 和 Chekasin 的“多风格主义”（polystylism，Ganelin 自创的词）扭曲的结构，Arkhangelsk 宗教仪式般的萨满巫术，Vapirov 自由爵士的旺盛能量和才华。在 Vapirov 的四重奏里我第一次听到和看到一个完全不知名的年轻钢琴家 Sergey Kuryokhin 和他在键盘上闪闪发光、暴风骤雨、具有骇人侵略性的攻击。

我为之着迷。终于有一扇通向新世界的窗户。几周之内我和 Kuryokhin 成了朋友——我们年龄相当，经历共同的音乐发展，着魔地投入新音乐。我们几乎每天见面交换唱片，交流新信息，并且构建我们自己的土生音乐发展理论。在一个几乎其它所有东西都受到限制的国家里，时间的供给倒是非常充分——我记得我曾经称其为“被迫奢侈”时期。政治、生意和旅行被禁止，我们就投入唱片、电影和书籍。通过 Kuryokhin 我接触到他的朋友圈子——音乐家、艺术家、作家——列宁格勒的地下核心。其中一位是 Efim Barban——大约年长20岁，他赶上了60年代早期爵士前卫的诞生，他有巨大的唱片收藏，在 Kvadrat 俱乐部有固定的新爵士讲座。他也是多产的爵士作家、编辑和地下爵士刊物《Kvadrat》的出版人。这份刊物开始只是同名俱乐部的简报，当时已经早就不再报导那家保守的俱乐部，转而成为激进的编辑的喉舌和巩固这个国家新爵士群落萌芽的工具。

1980年代到来之际是苏联反主流文化的激进时期。欣喜的开放年代还很遥远，刚刚能从地平线另一边透出来。艺术和文化被空前绝后地划分开，存在于两个完全不同、没有联系、经常是对立而且几乎从不交流的世界。一面有一个国家资助扶持的官方圈子，另一面是不妥协派的、另类的、破坏性的、地下的世界。那时我们自豪地自称“第二文化”，按照自己的原则和标准运作，甚至创造了自己的基础结构，包括了艺术节，音乐会，剧场演出，电影放映，文学、艺术、电影和音乐刊物，以及 samizdat（地下出版物）和 magizdat（转录磁带）。如果说 samizdat主要是指通过普通打字机在复写纸上费力地复制的违禁书籍，那么 magizdat——由 magnitofon（一种磁带录音机）这个词转变而来，意思是煽动性抗议歌曲以及摇滚乐的磁带拷贝。爵士乐处在这两个世界之间。仅仅20年前，爵士乐完全处于被驱逐的状态，在很多人意识里，爵士乐仍然不加区分地代表一种解放精神，它的核心是即兴，这是一种自由的音乐性隐喻。然而1970年代后期，至此还兄弟般坚实的爵士群落产生了分裂。这个深刻的分裂过程，与1960年代早期在美国爵士中发生的并无不同，分离成“革新派”和“传统派”。而更糟的是，传统派，特别是以莫斯科为基础、接近权力和金钱的那些，很快被引诱到“官方圈子”中去——通过有保障的音乐会、录音、电视和广播演出和偶尔的国外旅行，就跟其他所有国家“分配”的东西一样。

以我到列宁格勒之前的小地方习惯，我只是模糊地猜想，地下爵士群落尽管很小却绝对存在。数量很少的新爵士信徒向几个主要城市聚集。列宁格勒有最强的爵士乐传统和组织，显然是爵士的首都。维尔纽斯（Vilnius）本身爵士生活并不多，但仍然排名很高，完全因为 Ganelin trio——这个国家最早的新爵士乐团出自这里。另一个明显的中心是新西伯利亚（Novosibirsk），在西伯利亚（Siberia）的中部，这对颓废的西方音乐来说可能是个怪异的地理位置，但那里有科学城（Akademgorodok）——学院和知识分子集中的郊区——这个偏远的城市以它可与这个国家任何地方相比的知识、政治和文化力量为荣。1978年就是在新西伯利亚，妇科医生、自学鼓手、甚至比我们还疯狂的新爵士狂热爱好者Sergey Belichenko 举办了第一次新爵士研讨会。

我们的导师 Barban 过着一种心灵流放的隐士生活，在列宁格勒市郊塞满书籍和唱片的公寓里，自足于象牙塔中，实际上，他只是在等待离开这个国家的机会。他原本并没有准备要发起一场切实的审美对抗。然而，一见到两个充满精力和热情的年轻人，他产生了另一种想法：新爵士俱乐部。这个新生事物将自己与官方圈子和坚定保守主义的 Kvadrat 都分开，开始改宗 Ornette、Trane、Cecil 和 Sun Ra 以及那些 Stockhausen、Cage、Boulez 和 Xenakis 神圣的言论和声音。不用说，我们非常兴奋，在一些巧妙的官场政治活动之后，Contemporary Music Club 在 Lensovieta Palace of Culture 成立了。

一个艺术上由我们自己控制的场所，结果证明是一次巨大的激励和挑战。音乐家们开始在周围聚集。它是一个实验室，在这里小号手 Slava Gayvoronsky 首次与当时只有18岁的贝司天才 Vladimir Volkov 尝试二重奏的形式。Vapirov 实验了他的不同的乐队并首演他的主要作品。Kuryokhin 精炼了他的独奏，并且和即兴乐团胡混，这后来发展为他令人敬畏的 Popular Mechanics 演出。一开始 CMC 只是列宁格勒当地音乐家们的游乐场，但消息很快就传开了。莫斯科的 Sergey Letov 和 Valentina Ponomareva，斯摩棱斯克的 Vlad Makarov，维尔纽斯的 Chekasin 和他的学生/合作者 Petras Vysnauskas、Vytautas Labutis、Oleg Molokoedov 都跑来演出。1980年四月我们举办了第一届 Spring New Jazz Concerts——不同于“官方”的 Autumn Rhythms Festival。不受限制地打破所有障碍是那时的口号。Chekasin 觉得在 Ganelin 的结构中受到限制，特意走上舞台展示他狂野的戏剧性表演，这强烈地影响了 Kuryokhin 形成日后 Popular Mechanics 的概念。这个地方变得时髦而有吸引力，不仅是对音乐家和新音乐狂热者，也是对所有渴望新艺术、新思想、新精神、以及长期受抑制的自由的人。艺术形式之间一切原有的界限都模糊和瓦解了。诗人和作家与音乐家一起走上舞台，“非官方的”不妥协派艺术家在门厅和舞台布景上展示他们的作品。差不多在同时摇滚乐正从完全地下浮出水面，CMC 成为了自由爵士和摇滚音乐家融合试验的场所。Valentina Ponomareva 跟 Kuryokhin 和 Chekasin 还有摇滚乐队 Aquarium一起唱歌。Aquarium 的乐手也是 Popular Mechanics 的固定成员。这个地方甚至是学院先锋派的支柱：Edison Denisov 和同事先锋作曲家 Schnittke 以及 Gubaidullina 一起被保守的作曲家协会排挤，他在 CMC 举行了第一次完整的作品音乐会。与国外的接触——在仅仅在几年前还是不可想象的事情——突然爆发。我定期在 Jazz Forum、Coda、Cadence 上报导 CMC 的活动并且收到成打来自世界各地的信件反馈，他们惊奇的发现铁幕背后竟然有晦涩的新爵士在活跃。Hans Kumpf、John Fischer、Jan Garbarek、Elton Dean、ROVA 萨克斯四重奏、Oliver Lake 是我们定期的，虽然有时半匿名的表演嘉宾。差不多同时 Leo Feigin 在伦敦创办了他的 Leo 唱片公司并且很快受到整个西方媒体的强烈关注——从同样专业的 Coda 和 Cadence 到英美所有的主要报纸。

说列宁格勒是新音乐的唯一地点绝对是错的。音乐节体系在这整个巨大的国家传播开了，几乎每一个或多或少有点名气的音乐家一年里可以在相隔遥远的不同地方演出几次，从东西伯利亚的克拉斯诺亚尔斯克（Krasnoyarsk）、波罗的海的里加（Riga），极圈后靠近摩尔曼斯克（Murmansk）的阿帕提尼（Apatity ），到黑海的敖德萨（Odessa）。其中的一些——特别是有当地乐手和/或组织者是新音乐迷的，更趋向于演出自由即兴音乐。有一个音乐节绝对是非常特别的。古老的俄罗斯城市阿尔汉格尔斯克（Arkhangelsk），在遥远的北方，是俄罗斯最有影响的乐队之一的家乡，乐队也以此命名。爵士萨克斯手 Vladimir Resitsky 从60年代中期开始和阿尔汉格尔斯克鼓手 Vladimir Tarasov 一起演奏爵士。Tarasov 搬到维尔纽斯并开始和 Ganelin 一起演出的时候，他们邀请 Resitsky 加入他们成为三重奏。热爱北方和他的城市的 Resitsky 拒绝了邀请，很快 Chekasin 加入了这个三重奏。Resitsky 留下来辛苦地组建他的乐队。这个乐队是一个真正完全奉献给音乐的团体。很快一个音乐节诞生了，而 Arkhangelsk Jazz Fest 是“节”这个词真正表达它应有涵义的地方：盛宴、狂欢和精神的崇高：有音乐、伏特加还有不可少的俄罗斯蒸气浴。每次音乐节的高潮是到索洛维基群岛（Archipelago of Solovki）的三天行程，那是个激动人心的北方之美的地方。Leo Feigin 对 Resitsky 的说法非常正确——一个所有这些事背后不知疲倦和无私的驱动力——设法将他这个靠近北极圈的地方变成俄罗斯的新奥尔良。难过的是，写这些内页的时候，我们听到 Volodya Restitsky 去世的悲剧消息。我们将深深思念并一直记得他。

当时在音乐上，除了所有“前卫”的主张，主流趋势越来越明显是后现代，尽管这个词本身一直到80年代末还是不为人熟知的。基于爵士的自由即兴为包含许多流行音乐和文化的更精细的作曲结构让路。人们可以很容易分辨出三种主要的趋势。纯粹主意自由即兴者：斯摩棱斯克的大提琴手 Vlad Makarov、新西伯利亚的 Homo Liber、到80年代后期加入后现代主义之前的Sergey Letov，他们是少数派，看起来越来越边缘化和过时。“严肃”作曲家：Vapirov 不懈地坚持大规模的、满怀悲悯而有些浮华的第三流派作曲，沿着 Mahler, Berg 和 Mingus 路线而来（作品如 Macbeth, Lines of Destiny, De Profundis），采用四重奏、室内乐团与合唱团。一度钟爱他的钢琴家 Kuryokhin 越来越厌烦这种“严肃”，对我承认在大多Vapirov 演出的严肃时刻他几乎无法抗拒带上一个红鼻子的诱惑。，大胆创新的作曲家 Gayvoronsky 从更传统的根源汲取灵感，从 J.S. Bach 到 John Coltrane，从印度的 Ragas 到“扬基佬笨蛋”（美国歌曲）。Ganelin 不满 Chekasin 的爆发，他越来越倾向“严肃”，这在他三重奏以外的作品中尤其明显。然而最引人注目、嘈杂、华丽的是后现代的表演者：主要是 Chekasin 和 Kuryokhin。“戏剧性爵士”的种子早在1976 年 Ganelin 三重奏的 Home Music Making 节目就显示出来，乐手们穿着睡衣出现在舞台上，并且舒服地躺在床上。维尔纽斯三重奏这一做法的来源可以追溯到他们（主要是打击乐手 Vladimir Tarasov）与莫斯科的观念艺术圈子的紧密联系，这些艺术家又同样受到 Andy Warhol 的波普艺术和先锋表演艺术/偶发艺术和激浪派的影响。然而 Ganelin 强烈反对这样的表演，并且绝不允许它在三重奏的音乐会上再次出现。甚至几年后，显然是被 Chekasin 夸张的姿态、煽动性的姿势和有意的表演技巧激怒，这位钢琴家轻蔑地侮辱这些东西是“小丑把戏”。Chekasin 认为 Ganelin 的反对完全是因为嫉妒，出于挑衅和顽固，他越来越纵容自己做这些表演——开始是鲜明、形象、与听众互动的。然而，他走得越远，他的怪异行为就越无味，直到彻底尴尬的地步。另一方面，Kuryokhin 带着与生俱来的魅力、感召力和无法抗拒的性吸引力，取得了更大成功。Popular Mechanics 演出的音乐质量一直不稳定：Kuryokhin 从来不用长时间排练来烦他和他的乐手。然而他将极为丰富的想象、全然的不可预料、巨大的多变性、自相矛盾的“不恰当”的演出方式、无限的机智，以及对音乐、文化、社会、政治的讽刺，巧妙地编织到极具娱乐性的不间断表演当中，不管他到哪里演出，总是让听众深深着迷。活力、创造力、欢快，还有最重要的是主角的成功，使“戏剧性爵士”的病毒实际上传播开去，在80年代末和90年代初的很多年里，精心组织的舞台表演看来完全支配了苏联/俄罗斯的场景。Kuryokhin，带有典型的极端倾向，他将这个想法带入荒谬。在一次原定的钢琴独奏会上，他走上舞台，即兴讲了大约一个半小时的神话故事和寓言，然后隆重鞠躬下台，完全没有碰钢琴。俄罗斯文化传统上非常强势的文学元素在新爵士中也特别强势。这又一次反映了与1960年代纽约的前卫艺术相同的趋势，当时 Amiri Baraka 的诗是和 Archie Shepp 的萨克斯同样有效的音乐工具。Tarasov 的许多表演是跟观念艺术作家和艺术家 Ilya Kabakov、Dmitry Prigov 和 Lev Rubinstein 一起进行的。伏尔加格勒（Volgograd）的 Orkestrion 三重奏甚至是由诗人 Sergey Karsavin 组建的。他们文字与声音粗暴的融合反映了这个独特城市的意向，那里苏联宣传斯大林格勒胜利的骄傲的象征符号与不幸和对犯罪的绝望共存——还有受贫穷折磨的工人阶级贫民窟。很快 Arkhangelsk 也跟上，他们头上带着桶子出现在舞台，还有 TriO——一支由 Sergey Letov 吹簧片乐器、Arkady Shilkloper 吹法国号、Arkady Kirichenko 负责大号和人声的铜管三重奏——他们几乎所有作品都基于类似的奇异的后现代手法。这与俄罗斯摇滚中相似的趋势以及的苏联与西方突然到来的亲密期是同时发生的。那时候戈尔巴乔夫、公开化和改革是流行的概念，俄罗斯人到处受欢迎，Kuryokhin、Chekasin、TrioO 和 Orkestrion，还有 AVIA、Zvuki Mu 和 Auktsion 在欧洲一个又一个音乐节上巡回演出他们的戏剧性摇滚和爵士。

然而，在这些乱哄哄的“做秀”之外，另一种强劲但完全不激进的的趋势逐渐成熟。由于没有更好的词，我称它为室内-民族爵士（chamber-ethnic jazz），因为它专注于带有强烈的民族影响的小乐团室内乐的爵士方式。民间的或民族的东西对各种音乐的侵入——不管是爵士、摇滚还是古典——总是受到苏联权威音乐机构的鼓励，它们与所有独裁政权一样，将民间艺术视为颓废的西方影响的对立面。不去管官方的压力，对真正民族音乐真诚的关注以及将它们与爵士融合的实验从来没有停止过。最有趣的例子是 Arkhangelsk 和 Dmitry Pokrovsky Ensemble 的联合演出以及非常强却被低估的 Roman Dubinnikov 的录音 Dearly Departed。更多值得注意的是来自前苏联加盟共和国的音乐家们的尝试——特别成功的有阿塞拜疆的钢琴家 Vagif Mustafa Zadeh 将 mugams（阿塞拜疆传统音乐形式）结合到爵士即兴中。Vagif 早在1978年，他的音乐被完全赏识之前很久去世。而他的女儿，钢琴家和声乐家 Aziza Mustafa Zadeh 自从在1989年苏黎世的苏联前卫爵士节初次亮相后，就在美国开始了她极为成功的职业生涯，不过她的音乐更符合流行融合爵士的风格。另一位奇特女性 Sainkho Namtchylak 的方式激进得多。她做自由即兴并且和许多这一流派最著名的人物：Peter Kowald、Ned Rothenberg、Evan Parker 一起表演，她的图瓦出身有力地补偿了她的激进主义。这个东西伯利亚的佛教小国，拥有独特的喉音演唱文化，在过去十多年中在国际上取得了比任何前苏联的其他东西更大的成功。和 Sainkho 一起，至少还有两支来自图瓦的乐队：Huun Huur Tu 和 Yat-Kha 长期到欧洲和美国巡演。1990年代另一个成功的故事是钢琴家 Misha Alperin。这是个在摩尔多瓦和乌克兰交界处长大的犹太人，那里几乎是欧洲仅剩的民间音乐传统还很活跃的地区，他浸淫于丰富多彩的犹太、罗马尼亚、乌克兰、匈牙利和吉普赛曲调。不过他和吹法国号的 Arcady Shilkloper 合作的的首张 ECM 唱片缺乏新意，印象主义，还有点死气沉沉。直到加入歌手和管乐手 Sergey Starostin 的 Moscow Art Trio，音乐才开始获得新的维度。Starostin 是俄罗斯音乐的学者和研究者，有即兴音乐和摇滚乐的经验，他已经成为当代俄罗斯新音乐的关键性人物。Alperin 迁居挪威，将一点斯堪的纳维亚风格添加到他的民族影响调色板当中。Moscow Art Trio 有一些与 Huun-Huur-Tu 和保加利亚女生合唱团 Angelita 一起的野心勃勃的大型计划。Slava Gayvoronsky 在与手风琴家 Evelyn Petrova 合作的新二重奏里继续探索他的作曲概念与俄罗斯传统音乐的新结合，他的这种探索开始于和 Volkov 在 Russian Songs cycle 的时候。Volkov 在结束和他的拍档近20年的合作后，开始了自己的 Volkov Trio 并且在俄罗斯-荷兰-塞内加尔-图瓦成员组成的国际化民族爵士乐团 Vershki Da Koreshki 中演奏。

情况已经彻底改变了。如果说20年前我们努力让乐手们在 CMC 的双周音乐会上演出，现在莫斯科的 Nick Dmitriev’s Dom Centre 每周5个晚上演出新音乐。在圣彼得堡举行的 SKIF——Sergey Kuryokhin 国际音乐节——是有数百名艺术家参加的大型活动，包括国际上显赫的名字：Terry Riley、Keith 和 Julie Tippets、Faust、Frank London、Peter Brotzman，还有很多。音乐节在纽约开始然后转移到圣彼得堡。俄罗斯音乐家可以到任何想去的和可以工作的地方旅行和生活。

Sergey Kuryokhin 42岁年富力强时去世到现在将近5年了。The Ganelin trio更早在 Ganelin 1987年移民以色列时就已经解散。

说怀念那个年代，那些铁幕岁月，至少是很傻的事。但我确实怀念，怀念那种爆炸的感觉，革命的感觉，那些我们在80年代都感觉得到的东西。身处限制当中，我们感受到一种难以置信的兄弟情感并幻想这份情感会漫过边境。不存在钱的问题，那不算什么。音乐才重要。真的是黄金年代…

Alexander Kan,London,April 2001.
翻译：bedworm,July 2005,修订于2013.10.14

“自然农法”之声，是由日本传奇鼓手丰住芳三郎（Sabu Toyozumi）与多种乐器演奏家夏秋文彦（Fumihiko Natsuaki）组成的乐队。夏秋平时使用“自然农法”（不使用任何化学用品的种植方法）来种植蔬菜、稻米，乐队因而得名。

夏秋文彦（Hico）

Hico是一位精通多种乐器的演奏家，包括口风琴、口簧琴、泛音长笛、打击乐和其他民族乐器。
Hico创造了一种独特的口风琴演奏风格。结合“循环呼吸”*的技巧用双手演奏，他能够创造出大胆且具律动感的个人声音，这些技巧使他理所当然地卓然不群。
1997年，他发行了独奏专辑《GADO-GADO》。
2008年，他与钢琴家USUTOKINE到欧洲巡演（捷克和比利时）。
2011年，他在欧洲举办了第一次个人巡演，赢得了一群来自欧洲的拥护者。
几年前，Hico从东京搬到了长野县。目前，他正过着耕种的生活，并同时是一位音乐家。

* 循环呼吸：一种用于吹奏乐器的技法。向吹奏乐器的吹口中送气，为了气流不间断，并且不因呼吸打断一组音符的连贯性，乐手通过鼻子呼吸。

丰住芳三郎（Sabu）

1943年，丰住芳三郎在日本横滨市鹤见区出生。
1953年，10岁的丰住芳三郎加入一支仪仗队（有横笛和鼓）。四年后，他开始和朋友玩乐队，那个时期他热衷演奏各种不同的乐器。
1960年，丰住芳三郎立志成为职业乐手。
几十年间，丰住芳三郎巡游世界，所到之处包括巴西、印尼、非洲、印度、尼泊尔、泰国、缅甸、古巴、蒙古、韩国、立陶宛、俄罗斯、台湾、菲律宾、香港、希腊、土耳其、智利、阿根廷。
周游列国的历练加上与国内保持密切联系令丰住芳三郎与许多杰出音乐家或艺术家都有过合作，其中包括吉沢元治（Motoharu Yoshizawa）、高柳昌行（Masayuki “Jojo” Takayanagi）、高木元辉（Mototeru Takagi）、 Chales Mingus、Anthony Braxton、Alan Shorter、Rafael Garrett、诗人白石嘉寿子（Kazuko Shiraishi）、舞踏大师大野一雄（Kazuo Ohno）、Johannes Bauer、Peter Brötzmann、Hans Reichel、Fred van Hove、Misha Mengelberg、Derek Bailey、Wadada Leo Smith、Paul Rutherford、John Russell、Sunny Murray等。
在所有的合作中，尤为令人津津乐道的，当属他与早逝的萨克斯风手阿部薰的《Overhang Party》。
2012年，年近70岁的丰住芳三郎，还出人意料却又并不令人意外地与老牌日噪团体“非常阶段（Hijokaidan）”进行了爵士与噪音的“mix”。
2014年1月，丰住芳三郎首度在大陆进行巡演。

Fumihiko “Hico” Natsuaki

Hico is a multi-instrumentalist who plays the melodica, jaw harp, overtone flute, percussion as well as other ethnic musical instruments.
Hico has invented a unique and epic playing style for the melodica. Using the technique of circular breathing and playing with both hands, he is able to create a personal sound that is bold and groovy.These techniques certainly make him stand out from other musicians.
In 1997, he released the solo album“GADO-GADO”.
In 2008, he toured Europe (Czech Republic and Belgium), accompanied by the pianist, USUTOKINE.
In 2011, he held his first tour in Europe and has since gained a large European following.
A few years ago, Hico moved from Tokyo to the Nagano pref.
He is currently living an agrarian lifestyle as well as being a musician.

Yoshisaburo “Sabu” Toyozumi

Born in 1943 in Tsurumi, Yokohama, Yoshisaburo “Sabu” Toyozumi joined a drum and fife marching band in 1953. Fouryears later, he started to play in a band with friends and liked to play manydifferent instruments.
Since 1960, the year in which he decided to become a professional musician, he has travelled to various countries including Brazil, Indonesia, Africa, Middle and Near East, India, Nepal, Thailand, Burma,Cuba, Mongolia, Korea, Lithuania, Russia, Taiwan, Philippines, Hong Kong, PapuaNuova Guinea, Greece, Turkey, Chile, Argentina.
Along his travels, and back home in Japan, Sabu has been playing free improvisation with incredible musicians such as Motoharu Yoshizawa, Masayuki “Jojo” Takayanagi, Mototeru Takagi, Chales Mingus, Anthony Braxton, Alan Shorter, Rafael Garrett, Kazuko Shiraishi, but ho master Kazuo Ohno, Johannes Bauer, Peter Brötzmann, Hans Reichel, Fred van Hove, Misha Mengelberg, Derek Bailey, Wadada Leo Smith, Paul Rutherford, John Russell, Sunny Murray and many more.
Most famously, Sabu has played in the duo Overhang Party with Kaoru Abe, up until Abe’s passing in 1978. The duo was regarded at the time as the most powerful and intense music coming out ofJapan.
Sabu loves animals a lot.

夏秋文彦（Hico）

丰住芳三郎（Sabu）

夏秋的爱犬 小花

“循环呼吸法”，可爱的大师~

 

昨天，我们宣布了“俄罗斯新音乐之父”Slava Ganelin将献艺第四届OCT-LOFT国际爵士节的消息，而本届爵士节，远远不止这一个大新闻——另一场重量级演出，将由日本前卫乐手坂田明（Akira Sakata）与意大利钢琴家Giovanni Di Domenico带来。

坂田明 Akira Sakata

1945年出生于日本广岛县吴市，曾于广岛大学主修海洋生物学。他于1969年在东京成立乐队“细胞分裂（Saibo-bunretsu）”，由此展开其漫长的音乐探索之路。1972年加入山下洋辅三重奏（Yamashita Yosuke Trio）。该乐队曾在多个爵士音乐节演出，包括Moers新爵士音乐节、柏林爵士音乐节、蒙特勒爵士音乐节和新港爵士音乐节等。
他在1980年成立了“Wha ha ha”和他个人的Sakata三重奏。翌年，该三重奏在欧洲巡演。同年11月，坂田明带着新组成的Sakata大乐团现身柏林爵士音乐节演出并大受好评。
1982年初，他组建Sakata六重奏，在其开展实验音乐冒险之旅的同时，该乐队经历了无数次的解散与重组。该乐队的曾用名有“Sakata Akira & His Da-Da-Da Orchestra”、“MITOCHONDRIA”和“HARPACTICOIDA”等。
1996年，他与Bill Laswell合作的项目“微尘子空艇乐团（Flying Mijinko Band）”在中亚地区展开巡演。
目前他主要以Sakata Akira三重奏和Sakata Akira & Chikamorachi的名义进行演出，以及与Jim O’Rourke进行一些合作项目。
2004年，他建立了个人创作厂牌“Daphnia”，发行自家出品的专辑《どうでしょう（Doudeshou）？！》（意为“How’s that?!”），并开始与Jim O’Rourke进行多个合作项目。
2007年，他担任了东京药科大学的客座教授。同年，他以“Sakata Akira & Chikamorachi”的名义发行了新专辑《Friendly Pants》。

2008年，他与Jim O’Rourke、Darin Gray 和Chris Corsano（后两者组合即为Chikamorachi）在日本展开巡演。
2009年，Sakata Akira & Chikamorachi在瑞典韦斯特罗斯举办的Perspectives音乐节演出，也在芝加哥的雨伞音乐节（Umbrella Music Festival）与Jeff Parker、Nate McBride和John Herndon进行了特别合作。
2010年，他在厂牌Daphnia发行其个人三重奏的CD《チョット（Chotto）！》，英文名称是《I’m Here（我在这里）!》。
2011年，Akira Sakata & Chikamorachi在东京、莫斯科、欧洲展开巡演。在奥地利韦尔斯，他参与了Peter Brötzmann策划的Music Unlimited 25音乐节。同年，Presspop发行了他的黑胶《In a Babble》，收录其09年芝加哥雨伞音乐节现场；Family Vineyard发行了 Akira Sakata & Chikamorachi的黑胶《Live at Hungry Brain》以及Akira Sakata & Jim O’Rourke with Chikamorachi的08年日本巡演现场CD《And That’s the Story of Jazz…》；Doubtmusic发行了他的个人专辑《The Tale of Heike（平家物语）》；Solid Records发行了他与古谷畅康（Nobuyasu Furuya）合作的专辑《Live at the Bitches Brew》。
2012年，他透过国王唱片（King Records）发行了Akira Sakata & Chikamorachi与山下洋辅、Jim O’Rourke、八木美知依（MichiyoYagi）等合作的专辑《Sora Wo Tobu（在天上飞）!》。

Wha-Ha-Ha

Wha-Ha-Ha是坂田明在八十年代成立的来自日本的实验前卫乐队。乐队成员包括坂田明、小川美潮（Mishio Ogawa）、千野秀一（Shuichi Chino）、神谷重徳（Shigetoku Kamiya）、村上秀一（Shuichi ‘Ponta’ Murakami）、仙波清彦（Kiyohiko Semba）、川端民生（Tamio Kawabata）和布施隆文（Takafumi Fuse）。

关于坂田明的专辑《Iruman》

《Iruman》记录的是表演生涯长达40年的日本前卫萨克斯风手坂田明首次与钢琴手搭档演奏的二重奏录音（* 这位钢琴手便是我们下面要介绍的Giovanni Di Domenico），这张由葡萄牙厂牌Mbari发行的专辑的内容是建立于悖论之上的。解构主义者们试图从这张CD中催生出唯一的意义，假想这是关于“兄弟情（brotherhood）”或甚至是偿还或救赎（redemption）。然而“Iruman”是一个起源于葡萄牙词源“irmão（兄弟）”的日本词汇，由16世纪到日本的葡萄牙耶稣会会士创造和使用。在当下的文本，我们需要忽略所谓的传教士的使用动机去全面认识这个词语。事实上，我们可以说《Iruman》所唤醒的，并未阻碍古代至今的地理和文化上的融合，甚至是先行于此的。

坂田明总是在质疑所谓的“典型”。他的表演呈现出一种“形式主义”，时而嘲讽，或温柔“缱绻”。也许正因为如此，尽管他已经完全地是自由即兴音乐界的一份子，他的音乐被定义为“应有的样子”，但他却对门户之见免疫。在《Iruman》中，演奏的主要驱动力主要是来自于因与打破旧习的杂耍者Giovanni相遇而被“激发”的天性。此专辑录音于2012年的11月5日，在东京的GOK声音工作室，内容为即兴。

Giovanni Di Domenico

Giovanni Di Domenico，1977年出生于罗马，钢琴家、表演者、作曲家。
由于他的父亲是被派驻海外的土木工程师，在十岁以前他都随父在非洲生活。他在利比亚生活至5岁，后移居喀麦隆生活了三年，而后再迁至阿尔及利亚生活直到10岁。由于他远离故乡，生活中并没有遇到太多社会动荡，反而是歌剧咏叹调给他留下了深刻记忆。他与兄弟姐妹一同记下这些咏叹调并吟唱，这段经历让他可以学习语言，同时为家庭带来欢乐。自小在国外生活的经历对他的成长有着深刻的影响，他能够清晰地回忆起这些声音：宣礼吏在伊斯兰教清真寺宣礼塔上按时召集信徒做祷告的呼唤；从当地市场传来的异国乐器的声音；弥漫在雅温得（Yaoundé, 喀麦隆首都）街道的宗教仪式音乐；从喀麦隆保姆口中听来的当地歌谣……

Giovanni Di Domenico进入音乐学院后主修爵士钢琴，继续塑造磨练他熟练高深的技巧。他在节奏、和声和音调上虽受到非西方传统的影响，却同时敏感于德彪西（Debussy）的《前奏曲（Préludes）》、贝里奥（Luciano Berio）的《模进（Sequenzas）》、Borah Bergman在Soul Note厂牌下的作品中展示的ambi-ideation*技巧、Cecil Taylor密不透风的疯狂演奏和Paul Bley那布满伤痕的透明感，当然，还有那些来自地下流行乐的最激进表现……这些都深刻地影响了他个人的创作。在他的身上，有着一种具有时代意义的特质，而近年来他也与众多拥有着相同特质的优秀音乐家合作过，包括Nate Wooley、Chris Corsano、Arve Henriksen、Jim O’Rourke、坂田明、Alexandra Grimal、秋山徹次（Tetuzi Akiyama）、João Lobo和中村延和（Toshimaru Nakamura）等。
他建立了自己的唱片品牌Silent Water，致力于创作和发行电子和其他风格多元的音乐。他现居于布鲁塞尔。

*ambi-ideation：Borah Bergman是一位前卫的爵士钢琴手。他最为人所知的出色能力便是ambi-ideation，即双手均能即兴创作和独立演奏，而不是一般的左手为右手伴奏。人们常能从他的演奏中同时听到两种不同的旋律线。

当晚，除了坂田明与Giovanni Di Domenico的演出外，Giovanni Di Domenico也将与他的另一位伙伴，法国鼓手和打击乐手Mathieu Calleja，组成二重奏乐队Colline / Kalimi，带来另一种精彩。

Colline / Kalimi

Colline / Kalimi是一个由意大利键盘手Giovanni Di Domenico和法国打击乐手Mathieu Calleja组成的二重奏。Colline代表原声，Kalimi则是电子的部分。创作和演绎音乐的方式不同，但目标却是一致的：声音，能量。

Mathieu Calleja

法国鼓手和打击乐手Mathieu Calleja不仅仅是一位音乐家、作曲家，也是一名装置艺术家。他与许多优秀的艺术家合作过，比如：Miguel Angel García、Artur Matamoro Vidal、Toma Gouband、Sanne Van Hek、Xavier Lopez、Frédéric Nogray、Mathieu Garrouste、Matthieu Gayon等。

他在很多音乐节和场地表演过，如December Dance 13（比利时），Umbria 爵士音乐节（意大利），桃园地景艺术节（台湾），Internacional de Teatro “Héctor Azar”音乐节（墨西哥），Tempo Color（比利时），B-FIT（布加勒斯特），Deventer op stelten（荷兰），Ancienne Belgique（比利时）等。

他还为戏剧、电影和装置创作音乐。
作为音乐家的创作：
“Meduses” from Vincent Glowinski and Jean-François Roversi 2013
“White City Spleen” Delta-T Production 2011
“Laissez-moi seule” production théâtre de la Colline 2009（巴黎）
作为作曲家或装置设计的创作：
“Ondulo” Bell Installation from Toma Gouband Mathieu Calleja and Claire de Werbier. Production Carré d’argent and théatre Athenor & Astropi 2013
“Klankenbos Nocturne” Neerpelt Sound Installation 2013 等等。

Akira Sakata

Born in Kure-city, Hiroshima in 1945. Studied marine biology at Hiroshima University. Formed a group Saibo-bunretsu(Cell fission) in Tokyo in 1969, Sakata’s long lasting music quest has begun.
In 1972, he has joined Yamashita Yosuke Trio. The trio performed at many jazz festivals including Moers New Jazz Festival, Berlin Jazz Festival, Montreux Jazz Festival and Newport Jazz Festival etc.
In 1980 he formed “Wha ha ha” and his own trio “Sakata Trio”. The following year, “Sakata Trio” toured throughout Europe. In November 1981, Sakata appeared in Berlin Jazz Festival with newly formed“Sakata Orchestra’, which was extremely well received.
In the beginning of 1982, he formed another group “Sakata-Sextet”, since then, he embarks on his experimental adventure, repeated assemble and disassemble of groups in several formats, to name a few,“Sakata Akira & His Da-Da-Da Orchestra”, “MITOCHONDRIA” and“HARPACTICOIDA”.
In 1996, he carried out a tour to Central Asia with “Flying Mijinko Band”, a collaborative project with Bill Laswell.
He currently performs actively in various sessions focusing on his “Sakata Akira Trio” and “Sakata Akira & Chikamorachi”, and some collaborative session works with Jim O’Rourke.
In 2004, started own production label“Daphnia”, released self-produced album “Doudeshou?” (means “how is it?”) and started to work with Jim O’Rourke in various projects.
In 2007, he acceded to a visiting professorof Tokyo University of Pharmacy and Life Sciences. He released new CD “Friendly Pants” by “Akira Sakata & Chikamorachi”.
In 2008, he made a Japan tour with Jim O’Rourke, Darin Gray and Chris Corsano.
In 2009, he performed with “Chikamorachi”in Perspectives 2009 in Vasteras, Sweden. Also he played at Umbrella Music Festival in Chicago with “Chikamorachi” and made a special session with Jeff Parker, Nate McBride and John Herndon.
In 2010, he released his trio’s CD“Chotto!” (English title is “I’m Here!”) from Daphnia label.
In 2011, he made a Tokyo, Moscow, Europe, Tokyo tour with Akira Sakata & Chikamorachi. He appeared in Music Unlimited 25, Wels Austria curated by Peter Brötzmann. LP “In a Babble” (live at Umbrella Music Festival, Chicago) was released by Presspop. LP “Live at Hungry Brain”(Akira Sakata & Chikamorachi, Parker, McBride, Herndon) and CD “And That’s the Story Of Jazz…” (Akira Sakata & Jim O’Rourke with Chikamorachi, concert tour in 2008) were released by Family Vineyard. Solo CD “The Tale of Heike” wasreleased by Doubtmusic. CD “Live at the Bitches Brew” (Akira Sakata & Nobuyasu Furuya) was released by Solid Records Ultra-Vybe.
In 2012, CD “Sora Wo Tobu!” (Akira Sakata& Chikamorachi with Yosuke Yamashita, Jim O’Rourke and Michiyo Yagi) was released by King Records.

Giovanni Di Domenico

Pianist, performer, composer, was born in Rome on the 20th July 1977.
Following his father’s consecutive assignments as a civil engineer he actually lived out his first decade in Africa – until he was five in Libya, from then until his eighth anniversary in the Cameroons and until ten in Algeria. His far off native country was not synonymous with civil unrest as much as with opera, whose arias he would memorize with his siblings in order to practice the language and provide some family entertainment. The condition of expatriate had a strong influence on his education – he clearly remembers the calls of the muezzin, the sound of exotic musical instruments in local markets, the ritualistic expression music took in the streets of Yaoundé, or the songs he heard from his nanny in the Cameroons.
When he finally enrolled in music school – majoring in ‘jazz piano’ – he further built on an encyclopedic technique; rhythm, harmony and tone are informed by non-western traditions yet equally sensitive to Debussy’s “Préludes”, Luciano Berio’s “Sequenzas”, to the “ambi-ideation”heard in Borah Bergman’s Soul Note recordings, Cecil Taylor’s polissemic density, Paul Bley’s bruised transparency and of course, the most radical manifestations stemming from the underworld of pop music, invariably tied together by his own original praxis. A distinction – one would call it generational – he shares with many of the musicians he has crossed paths with recently, of which we could enumerate Nate Wooley, Chris Corsano, Arve Henriksen, Jim O’Rourke, Akira Sakata, Alexandra Grimal, Tetuzi Akiyama, João Lobo or Toshimaru Nakamura. Di Domenico has founded his own label, Silent Water, home of an eclectic and occasionally unclassifiable production. He lives in Brussels.

Colline / Kalimi

Colline / Kalimi is a duo that has two outcomes: an acoustic (Colline) and an electric one (Kalimi). Both have adistinctive, and opposite approach, but the ‘goal’ is the same: sound and energy.

Mathieu Calleja

French drummer / percussionist Mathieu Calleja is not only a musician, composer but also do some installation. He has met with many great artists: Miguel Angel García, Artur Matamoro Vidal, TomaGouband, Sanne Van Hek, Xavier Lopez, Giovanni Di Domenico, Frédéric Nogray, Mathieu Garrouste, Matthieu Gayon, Heddy Boubaker, Eric Surmenian, Manja Ristic, Laurent Blondiau, Fanny Lasfarges, Jozef Dumoulin, Sébastien Bouhana…
He has performed in festivals or clubs, such as December Dance 13 (BE), Umbria Jazz Festival (IT), Taoyuan land and Open Air Arts Festival (Taiwan), Festival Internacional de Teatro “Héctor Azar”(Mexico), Tempo Color (BE), B-FIT (Bucharest), Deventer op stelten (Holland), Ancienne Belgique (BE)…
He also creates music for theater, movie and installation.
As a musician:
“Meduses” from Vincent Glowinski and Jean-François Roversi 2013
“White City Spleen” Delta-T Production 2011
“Laissez-moi seule” production théâtre dela Colline 2009 (Paris)
As a composer / Installation:
“Ondulo” Bell Installation from Toma Gouband Mathieu Calleja and Claire de Werbier. Production Carré d’argent and théatre Athenor & Astropi 2013
“Klankenbos Nocturne” Neerpelt Sound Installation 2013
“Balade Sonore” au bord du Gave à Pau 2012
“Disappearing” Author Manja Ristić 2011

 

极为多才多艺的音乐家与艺术大师、“俄罗斯新音乐之父”——Slava Ganelin确定参演第四届OCT-LOFT国际爵士音乐节！

Slava Ganelin

Vyacheslav (Slava) Ganelin被誉为“俄罗斯新音乐之父”，他是一位极为多才多艺的音乐家与艺术大师。离开Ganelin三重奏后，他发展了自己的独奏事业。这就是为什么Nat Hentoff在《华尔街日报》里对他如此评论：“Ganelin先生是一个浪漫的钢琴家，是戏剧性气氛效果的热爱者——从神秘又怪异的气氛，到内心的雷电轰鸣。在他的键盘上是两个小电子合成器，一个将钢琴的音域拓宽至三倍，一个使Ganelin能弹奏出更加深沉饱满的低音。能够看见一个音乐家在他力所能及之内愉快地演奏是很有趣的。”
1987年春天，Ganelin发行了第一张独奏专辑，受到了出色的评价，所有的评价者都在强调他完美的结构、想象力、本质和品味等。正如John Fordham在《卫报》里写的一样：“他是一个足智多谋的音乐家，他旋律优美的钢琴演奏是动人而优雅的。”
即将在十月如期而至与大家见面的第四届OCT-LOFT国际爵士音乐节，会迎来这位“俄罗斯新音乐之父”！

延伸介绍

Ganelin Trio Priority

为Ganelin于1999年重组的三重奏乐队，乐队成员有Vyacheslav Ganelin （钢琴，合成器，打击乐），Petras Vysniauskas（高音萨克斯风）和Klaus Kugel（鼓，打击乐）。

Ganelin Trio

1968年，Ganelin 与打击乐手Vladimir Tarasov和萨克斯风家Vladimir Rezitsky 组建了乐队Ganelin三重奏。1971年，Rezitsky离队，Vladimir Chekasin加入该三重奏。
1976年，该三重奏于华沙Jamboree爵士音乐节登台演出，同年，他们发行了首张专辑《Con Anima》 。
这支三重奏乐队将自由爵士与民谣和古典元素相结合，在前苏联和海外都受到了乐评家们的赞赏。该乐队于1987年解散，组队期间发行专辑多达20多张。2001年，该乐队进行了一次重组巡演。

全新的Ganelin Trio

与Slava Ganelin一同前来的，还有Alexey Kruglov与Oleg Yudanov。Alexey Kruglov被英国杂志《Jazzwise》称赞为“爵士界的未来（the future of jazz）”。Alexey Kruglov和Oleg Yudanov，延续着俄罗斯新音乐的“传统”。
Slava Ganelin、Alexey Kruglov、Oleg Yudanov三人也将以全新的Ganelin三重奏的形式亮相第四届OCT-LOFT国际爵士音乐节。

Alexey Kruglov

Alexey Kruglov是一位萨克斯演奏者、作曲家和戏剧家。
他在新艺术领域的想法使其得以在声音空间中穿凿出一个图像拟人化的原始系统。一个纯正的爵士乐手，同时又是“反”爵士的乐者；一名古典音乐人，同时又是先锋艺术家——尽管拥有着这些看似矛盾的多重身份，他仍然因他的作品而独树一帜。
Alexey Kruglov在音乐和戏剧方面都受过良好的高等教育。他赢取过不少知名赛事的奖杯，并不断地与杰出的音乐家和戏剧演员合作。
2000年，他正式进军爵士乐坛，他凭借其乐队“Krugly Band”的精彩演出令观众们惊艳折服。但他并未抛弃传统，也出演古典音乐演出。
Alexey Kruglov被英国杂志《Jazzwise》称赞为“爵士界的未来（the future of jazz）”。
由于传奇的前加列宁三重奏的出现，前苏联的前卫音乐在70年代冷战期间有了重要的飞跃。年轻的精通多种乐器的音乐家Alexey Kruglov正是此种模式的延续。他也带领着杰出的三重奏进行着前卫乐界的实验和前进。

Oleg Yudanov

这位特立独行的鼓手凭借其技艺高超的即兴创作为全世界的爵士乐迷所熟知。这位闻名世界的音乐家极富创意并且涉猎广泛，其兴趣范围包括现代的古典乐、先锋爵士乐、普通的民俗创作，甚至是在巴黎上映的戏剧等。
1993年起，他开始与Arkhangelsk Jazz Group合作演奏爵士乐，该乐队的领军人物Vladimir Rezitskim为俄罗斯爵士乐的首要代表，并曾于美国、欧洲和日本登台表演。他还与知名音乐家Sergey Manukyan、Vladimir Miller、吉他手Tim Dorofeyev、钢琴家Igor Volodin和萨克斯风演奏者Vasily Katyshev等多人同台演出。
伦敦的Leo唱片曾发行十张有Oleg Yudanov参与的专辑。

Alexey Kruglov和Oleg Yudanov延续着俄罗斯新音乐的“传统”，他们为旧的加列宁三重奏接力。